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Critical Creation Series. “The visits (of which there were none) Episode N. 2”

Lundi 6 juin 9h00 à 17h00

Concordia, Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex Building (EV)  EV_Atrium

Dominique Fontaine / Livia Daza-Paris. A video and photographic installation

(All day installation | Installation vidéo et photo d’une journée)

Livia Daza-Paris presents an investigative work, which considers grief, political displacement and how they inhabit one’s own body and place of dwelling. The visits (of which there were none) Episode N. 2 is a segment being developed in Montreal as part of On Antigone Steps: poetic forensics of the disappeared, its body and land, a multi-year project with investigative nodes in Montreal, Canada; Washington DC, USA; and Venezuela. According to the artist, “‘The visits…’ takes the form of video-portraits outside of ‘homes’ where I have lived in Montreal, as well as typical sight-seeing locations in the city. Next to these performative interventions captured in the videos, I place a few selected copies of primary-source documents as well as poetic texts on the connectivities between what was disappeared by political oppression and what remains as evidence.”
Livia Daza-Paris is a transdisciplinary artist who has worked with dance, performance, video, text and documentary evidence. She uses artistic processes within art-based research, disciplines of narrative inquiry and poetic interventions to address historical trauma. At the core of Daza-Paris’ works are three fundamental questions. Firstly, in the absence of a mourning ritual, when a loved one is disappeared by the state, how do those left behind cope with their own grief under conditions of silence and clandestinity and how does it shape their lives? Secondly, how do individuals embody land and memories linked to historical trauma that have been made-to-disappear? Finally, how do personal stories extend into a collective story that becomes history?
Dominique Fontaine is a curator and founding director of aPOSteRIORI, a non-profit curatorial platform—researching, documenting, developing, producing and facilitatinginnovation in diverse contemporary art practices. Fontaine graduated in visual arts and arts administration from the University of Ottawa (Canada), and completed the De Appel Curatorial Program (Amsterdam, the Netherlands). She was Curator for Scotiabank’s Nuit Blanche, Toronto 2014. Since 2013, she has been contributing to Of Africa, a multidisciplinary and multiplatform program, in collaboration with the ROM (Royal Ontario Museum) and other partner organizations.

The Critical Creation Series are curated by Stéphane Martelly and Lilia Topouzova, Centre for Oral History and Digital Storytelling, Concordia University


Critical Creation Series. “Ethical fashion”

Lundi 6 juin et mardi 7 juin 9h00 à 17h00

Concordia, Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex Building (EV)  EV_Atrium

Milan Tanedjikov (Concordia University) and six LaSalle College students.
A Material Culture and Fashion Exhibit  | Une exposition culture matérielle et mode

The garments are part of a collection, titled Odesza, designed by six LaSalle College students under the artistic direction of Milan Tanedjikov. It is an artisanal Montreal-based clothing collection that is part of the slow-fashion movement. The clothes are made by hand with environmentally friendly material and workers are paid fair wages. The students were motivated by the desire to move away from unethical clothing manufacturing practices and to design a collection that re-envisions Montreal’s material culture and fashion legacy.

The Critical Creation Series are curated by Stéphane Martelly and Lilia Topouzova, Centre for Oral History and Digital Storytelling, Concordia University


Critical Creation Series. “Le Petit coin intact:” A bilingual performed autoethnography

Lundi 13h30 à 15h00

Concordia, Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex Building (EV) – EV_Atrium

Creator/performer: Lisa Ndejuru, Concordia University
Soundscape and projections: David Ward, Concordia University
Theatrical performance with projected photos   | Représentation théâtrale avec projection de photographies

Le petit coin intact is a bilingual (French/English) performed monologue with soundscape and projections. The title of this series of short vignettes refers to a core of wholeness and strength so often contained in even the most extreme narratives of violence. Anchored in the performer’s own family story, it explores shared concerns and aspirations around the intergenerational legacy of trauma. This is a one-woman dramatic reflection about holding on tightly to the things worth holding… and shedding everything else.

The Critical Creation Series are curated by Stéphane Martelly and Lilia Topouzova, Centre for Oral History and Digital Storytelling, Concordia University


Un chant yiddish au creux de l’oreille – Traversée

Lundi 6 juin 7h30 à 8h30

Concordia, John Molson School of Business Building (MB) – MB 2.130

(bilingual – bilingue)
L’artiste et anthropologue Miléna Kartowski-Aïach invite les participants, dans le cadre d’une performance interactive et commentée, à s’immerger dans le répertoire traditionnel profane et sacré de la musique yiddish.


Engaging authenticity

Lundi 6 juin 13h30 à 15h00

Concordia, John Molson School of Business Building (MB)  MB S1.115

This proposal makes the case that heritage’s capacity for change may be dependent on a paradigm shift in how heritage is interpreted. With this paradigm shift in play, a question is then asked: Can authenticity be used as a design driver to resolve how best to incorporate the four pillars of sustainability in a building’s design?

The proposal begins with a discussion about the difference between using heritage reactively and proactively. It then presents a brief introduction to the evolution of the concepts of sustainable design and authenticity over the last half-century. The argument is made that the idea of authenticity as developed by the efforts of the World Heritage Committee has had a minimal impact on the general architectural community.

To maximize authenticity’s impact on the practice of architecture, a suggestion is made to change the definition of authenticity from an idea that is not a value onto itself to one that is its own value. It is then suggested to use authenticity proactively as part of the design brief mentioned above.

Engaging Authenticity: thinking of authenticity as a design driver

Heritage has changed how the architectural profession deals with historic buildings. It could also change how an architect approaches design. Yet if this change is to happen on a go forward basis, a paradigm shift in how the profession thinks about heritage may need to occur. A main objective of the session “Engaging Authenticity: thinking of authenticity as a design driver” is to identify whether this paradigm shift is needed to get engagement.

The question: What Does Heritage Change? has lead to the above two disparate answers. The first, what heritage has changed, is aimed at the institutional mechanisms and bureaucracy that have been put in place to deal with the question about how to treat an existing historic building. The second answer, what heritage could change, is directed toward the vocation of architecture and how the individual deals with a yet un-designed building. Another way to consider these two answers is that the former deals with architecture reactively while the latter suggests the relationship between heritage and architecture can be proactive. It is because of this change from the reactive to the proactive that a paradigm shift in thinking may be needed.


Un chant d’exil en terre promise

Mardi 7 juin 9h00 à 10h30

Concordia, John Molson School of Business Building (MB) – MB 2.130

En 2014, Miléna Kartowski-Aïach a entrepris un doctorat en anthropologie portant sur la jeune génération des Juifs Mizrahim en Israël, originaires du Maghreb et du Moyen-Orient, qui tentent de re/construire leur identité à travers la création artistique contemporaine, très souvent engagée. Leur art est le reflet de leur militantisme et de leur désir de saisir un petit quelque chose de la culture d’origine de leurs grands-parents, les figures tutélaires, venus de terres d’Islam, pays où ces jeunes israéliens ne peuvent se rendre aujourd’hui. Du silence de leurs grands-parents arrivés en terre promise et désireux de « s’intégrer » au nouvel État national juif, ces jeunes artistes questionnent l’Histoire, composent des chants et des poésies qui peignent un ailleurs méconnu et célébré, dans leurs langues juives diasporiques d’origine, réapprises, parfois au prix de leur image. Ainsi ils permettent aux cultures tues de reprendre souffle. Chanter en arabe, yéménite ou persan devient une force, une source de reconnexion avec des mondes perdus, un possible franchissement des frontières qui enclavent Israël. Ces jeunes artistes affirment leurs appartenances d’origine, parfois au détriment de leur propre identité israélienne. Ils veulent rendre justice à leurs aïeux et tenter d’œuvrer grâce à l’art, à un rapprochement possible vers la paix et les Palestiniens.

C’est la réalité complexe de ces artistes engagés que Miléna Kartowski-Aïach a tenté d’approcher au plus près, leurs processus de création et leurs rêves fragiles, plus globalement de saisir leur manière de « re/créer » un patrimoine judéo-arabe dans un Israël brûlant et déchiré : « Ce sont leurs frontières intérieures et physiques que j’ai tenté de suivre, leurs rapports à la famille et à leur communauté d’artistes. » C’est aussi son propre patrimoine, juif et multiple, qu’elle a mis en scène afin d’être acceptée par ceux qui parfois projettent sur l’autre rejet et exclusion, car ils en ont été les victimes.

Grâce aux outils du théâtre expérimental et anthropologique, c’est une plongée sensible au cœur des questions d’héritage et de transmission que Miléna Kartowski-Aïach propose de mener. Comment saisir au plus près les créations engagées de ces artistes et leurs aspirations-revendications si ce n’est pas le prisme même de l’art ? Cette recherche-création, sous forme de performance théâtrale et musicale, est un acte engagé vers une ethnologie profonde du sensible et une tentative de traversée des idées et des questions cruciales qui jalonnent cette recherche. Il est donc question d’aller au-delà d’une présentation « classique » des résultats de terrain, de transcender les mots et de passer par un outil unique qui est celui de la création.

Le plateau sera son espace de recherche et de création, partagé avec le public où les langues de la recherche, soit le français, l’anglais, l’hébreu, le yiddish, l’arabe, la darija marocaine, porteront les pas de l’enquête et permettront d’interroger la corde sensible de l’héritage et du patrimoine.


La richesse et le patrimoine | The value of heritage

Lundi et mardi 7 juin 8h00 à 17h00  

Concordia, John Molson School of Business Building (MB) – MB 2.231, 2.232, 2.233

Le patrimoine, ça change quoi ? Ou plutôt, qu’est-ce que c’est ? Et pour qui ? Ces questions sont à l’origine de cette exposition conçue par les étudiants à la maîtrise en muséologie UQAM-UdeM. L’opinion de la communauté uqamienne y est confrontée à des citations de chercheurs, résultant en une mise en perspective originale du discours sur le patrimoine.


Critical creation series. « Patrimoine et intervention : le rôle de la danse »

Mardi 7 juin 11h00 à 12h30

Concordia, Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex Building (EV) – EV_Atrium

Nyata Nyata (Karla Etienne and Zab Mabongou) 
This hybrid demonstration project explores the links between heritage and artistic creation that is revealed in practice. Interspersed in the presentation will be extracts of past work and examples of live dance created for this occasion, with dancers and drummers.

Zab Maboungou and Nyata Nyata is a contemporary dance company that is unique in Montreal and in Canada.
Cette conférence-démonstration, d’une durée d’une heure, portera sur les liens opérés dans la démarche artistique entre patrimoine et création artistique. Le discours sera entrecoupé d’extraits d’œuvres déjà créées et de manifestations dansées créées pour l’occasion (avec danseurs et tambourinaires en direct).
Zab Maboungou et Nyata Nyata est une compagnie de danse contemporaine unique dans le paysage montréalais et canadien.

Chorégraphe autant que penseure et interprète renommée, la directrice artistique a fait valoir sa volonté affirmée de produire, partout dans le monde, sur scène et hors scène, ses œuvres chorégraphiques, d’enseigner la technique de la danse africaine, d’appuyer la formation des danseurs, de développer les publics et de participer activement au renouveau institutionnel des politiques relatives au domaine de l’art.
Fondatrice de la réputée Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, artiste-chorégraphe et interprète, professeure de philosophie et auteure du livre Heya ! Poétique, historique et didactique de la danse africaine, Zab Maboungou s’est distinguée sur tous les fronts de l’action artistique et culturelle : sa contribution remarquable rassemble et transcende les identités et les genres, sans jamais diluer les savoirs et les pratiques qu’elle a, avec une consistance qui ne s’est jamais démentie, innovés et développés en ce pays avec la volonté marquée de proposer un art vivant, au sens le plus noble du terme, c’est-à-dire un art qui, par delà les histoires et les communautés, a su mettre en scène les êtres et leur temps.

The Critical Creation Series are curated by Stéphane Martelly and Lilia Topouzova, Centre for Oral History and Digital Storytelling, Concordia University

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